Actualités

L’ŒIL Magazine (numéro #741) a publié dans son dernier numéro, un article mettant en lumière le regain d’intérêt pour la peinture des nouvelles générations d’artistes. Un sujet plutôt vaste qui permet de comprendre que le médium de la peinture traverse le temps, tout en restant ancré dans l’histoire de l’art occidentale. À l’occasion de cette réflexion la Fabrique de l’Esprit, se questionne elle-même face à la place de la peinture dans la collection Francès.

« Trop peu de peintres trouvent aujourd’hui la reconnaissance muséale qui leur est due »

– Daniel Templon

 

Depuis les années 1990, en France, une vision unique des médiums de l’art contemporain s’est forgée par des réseaux de galeries, des centres d’art, des puissants collectionneurs privés, et enfin par les musées. Les installations, la photographie, les performances et les vidéos étaient les nouvelles normes de l’art contemporain. À en oublier la peinture et ses peintres. Beaucoup d’artistes comme Robert Combas ou Hervé Di Rosa ont été oubliés : « une mise au ban ». Pourtant, aujourd’hui, la peinture réinvestit la scène institutionnelle française. Notamment par la grande rétrospective de l’artiste Gérard Garouste en septembre 2022 à Beaubourg.

Le plus difficile pour un artiste c’est de durer. La peinture est une « surface agissante faite de couleurs, de matières, de fonds et de formes, qui puisse offrir au regard des sensations et des émotions ». Des échanges nombreux sont créés lors de nouvelles expositions mêlant le travail des aînés et celui des jeunes. Ainsi une peinture se regarde à l’infini et s’interroge constamment notamment à travers ses échanges qui participent au renouvellement fécond de la peinture contemporaine.

Alejandro Campins, Circo (Série Letargo), 2019, pièce unique, huile sur toile, 38 x 55 cm, © collection Francès

La peinture est un médium qui pâtit de la négligence des institutions publiques parisiennes durant de longues années, se souciant à la diversité des publics et à l’innovation permanente. Mais il reste important sur le marché de l’art et auprès des collectionneurs.

Ainsi la collection Francès, par ses nouvelles acquisitions, montre cet attachement au médium de la peinture.  La nouvelle acquisition des toiles de Sergey Kononov, Meow et Le Sommeil, illustre cette passion pour la peinture pour le jeune artiste ukrainien de 27 ans. Une peinture qui interpelle ses regardeurs que l’on retrouve aussi auprès des œuvres de son aîné, Alejandro Campins par sa série Letargo. L’artiste explore la notion d’intemporalité dans les paysages qu’il crée, enfermant une ambiguïté temporelle.

Aujourd’hui en posant un regard sur la collection dans une volonté d’avoir une vue d’ensemble, nous découvrons que la peinture est présente à 30% au sein de la collection Francès. Autour du thème de l’excès de l’homme nous retrouvons des artistes de nationalité différentes, comme : Lynette Yiadom-Boakye, Hans Peter Feldman, Oda Jaune, Jean Rustin, Yan Pei-Ming, Michael Kvium ou encore Tony Bevan,  Nous retrouvons aussi la photographie, à hauteur de 35 % dans la collection représentée par Andres Serrano, Richard Avedon, Diane Arbus, Marck Cohen et bien d’autres. Puis la sculpture et les installations, avec les artistes Berlinde de Bruyckere, Tracey Emin ou encore Kader Attia. Le dessin est aussi un médium présent au sein de la collection (10%), notamment avec les œuvres de Stéphane Sautour, Sam Francis, Mircea Suciu ou encore Eric Manigaud. Enfin, la performance et la vidéo ne représentent qu’1% de la collection Francès avec une palette d’artistes internationaux comme Regina José Galindo ou plus émergents comme Justine Pluvinage.

Dans le cadre de dispositifs scolaires spécifiques, la Fabrique de l’Esprit valorise ces peintures auprès des plus jeunes, notamment à travers le thème de « L’impact de la couleur sur le regardeur ». Un moment d’échange et de réflexions entre lycéens et intervenantes autour de peintures et de la signification de leurs couleurs.

Image à la une : Sergey Kononov, Le Sommeil, huile sur toile, 2017, © collection Francès

En cette année 2021, nous retrouvons un événement artistique de grande ampleur en dépit du contexte pandémique, qui aurait pu en sonner le glas : Africa 2020. Il est devenu urgent depuis la Biennale de Venise en 2019, dont le pavillon africain stupéfia par sa richesse artistique, de mettre à l’honneur ce prolifique et immense continent souvent oublié par l’Europe. L’Afrique, qui fut longtemps empreinte d’une image coloniale d’artistes traditionnels, ancrée dans les racines de leur culture autochtone, mérite véritablement à s’épanouir au-delà de ses frontières et à mettre à l’honneur ses ressources. Grâce à l’événement Africa 2020, l’on souhaite montrer la place primordiale que prend le continent dans la scène artistique contemporaine, que ce soit au sein du marché de l’art, avec des artistes dont la cote ne cesse de monter comme Enam Ghewonyo, ou dans la production artistique, avec de nouveaux artistes propulsés sur le devant de la scène, tels que Georgia Maxim, ou Josefà Ntjam.

Cette saison, extrêmement fragilisée par la pandémie, s’adapte pour maintenir sa programmation malgré une visibilité réduite. N’Goné Fall, commissaire générale de la saison Africa 2020, nous apprend dans le magazine Beaux-arts de février 2021 que l’événement a été ajusté pour les plateformes numériques. De cette façon, un colloque scientifique s’est produit sur Zoom et les réseaux sociaux relaient les artistes à l’honneur, afin de faire patienter le public, mais aussi les musées et les FRACs qui dédient leurs espaces à la saison. Nous pouvons penser au musée d’Art moderne de Paris, qui s’est investi dans la saison Africa 2020 en réalisant l’exposition « The Power of my Hands ». Cette exposition met en avant la création manuelle majoritairement féminine, photographie, poterie, broderie, peinture…

Les créatrices narrent à travers leurs œuvres une intimité brimée et taboue, mettant en lumière les difficultés d’un monde patriarcal à l’histoire coloniale. C’est notamment le cas de l’artiste Enam Gbewornyo, qui emploie des collants couleur chair dans ses œuvres, les seuls longtemps disponibles sur le marché. Le pouvoir de l’intime est démontré dans sa violence et son pouvoir politique. La saison Africa 2020 se veut donc être un espace d’expression, poétique et politique, pour ses artistes.

La saison est également un terreau fertile pour la création artistique. Des résidences d’artistes sont mises en place, comme celles que la Fabrique de l’Esprit a réalisé en partenariat avec la cité internationale des arts de Paris et l’institut Français. En 2019, la Fabrique de l’Esprit reçu donc Aimé Mpané, qui réalisa la série « mes-tissages », et en 2020 l’artiste Malebona Maphutse.

Africa 2020 revêt également un aspect pédagogique moins connu du grand public, mais qui comprend trois cents projets d’échange entre la France et l’Afrique. Des étudiants attendent des conditions sanitaires plus favorables pour pouvoir voyager, tout comme les artistes. L’UNESCO et l’Éducation Nationale ont également signé une convention pour promouvoir l’Histoire artistique africaine dans l’enseignement. Membre du mouvement des clubs français pour l’UNESCO depuis 2017, la Fabrique de l’Esprit s’inscrit dans cette démarche pédagogique, elle organise notamment un dispositifs complet au lycée Pierre Mendès à Péronne, et au lycée Jules Urhy à Creil dans l’Oise, sur le thème Africa 2020.

Les élèves créent une réflexion autour des œuvres d’artistes africains, tels que Pascale Marthine Tayou, ou Lynette Yadom-Boakye, dont certaines œuvres sont présentes dans la collection Francès. Par le biais de ces ateliers, les élèves découvrent l’histoire et les expérimentations de ces artistes, souvent binationaux tant les migrations culturelles les incarnent. Pascale Marthine Tayou crée des œuvres en chocolat, des objets du quotidien qu’il hybride et interprète pour croiser et interroger les regards entre continents africain et européen. Lynette Yadom-Boakye, quant à elle, peint en un jour des scènes du quotidien suspendues dans le temps.

Figure 1 : Pascale Marthine TAYOU, Poupée Pascale (Passeport Bantou 09), 2001, Cristal, chocolat, techniques mixtes, 60 x 25 x 18 cm, © collection Francès, Senlis

Le but pédagogique de cette saison est de faire découvrir des artistes méconnus du jeune public français, tout en créant un dialogue avec ces artistes et leur production. L’étude de leurs œuvres, dont la collection Francès se fait témoin, déplace un point de vue euro centré vers une vision polycentrique de l’art.

Figure 2 : Aimé Mpane Enkobo, Série On crève ici, 2007, Portrait gravé et peint sur bois : taille directe à l’herminette de panneaux de bois multiplexface aux modèles, acrylique, 31 x 32 cm, © collection Francès, Senlis

Image à la une : Lynette YIADOM-BOAKYE, A Quarter, 2013, Huile sur toile, 200x160cm, © Collection Francès, Senlis.

La Fabrique de l’Esprit vous souhaite ses meilleurs voeux pour cette nouvelle année.

Qu’elle soit riche en découverte et en art, La minute de l’Esprit vous est proposée pour vous partager les missions qui ont à coeur de créer le lien avec l’art.

Un programme à découvrir sur lafabriquedelesprit.fr, youtube et les réseaux sociaux.

L’association Elfeaccueille à partir de février un(e) jeune volontaire pour assister la responsable du centre de documentation dans ses missions.

Le centre de documentation, situé dans les espaces de la fondation Francès, est composé de plus de 2000 ouvrages (monographies, catalogue d’exposition, revues artistiques, romans…) dont 300 bandes dessinées.

Les missions

– Participer à la valorisation du centre de documentation de l’association

– Contribuer au référencement des ressources documentaires

– Tenir à jour le fichier bibliothèque (nouvelles acquisitions et entrées documentaires…)

– Participer au projet d’archivage documentaire en cours

– Mettre à jour des dossier artistes

– Numériser les ressources documentaires présentant les œuvres et les artistes de la collection Francès

Visuel : Jan de Maesschalk, Untitled, 2011, pièce unique, acrylique sur papier, 27,3 x 36 cm © collection Francès / Photographer : Zeno X Gallery, Antwerp – Courtesy Zeno X Gallery, Antwerp

Vous souhaitez développer vos compétences en communication ?

Depuis 3 ans, La Fabrique de l’Esprit accueille chaque année un Service Civique dans le domaine de l’Art et la Communication.

Visuel : Clemens Krauss, Chromosomes, 2007, pièce unique, huile sur toile, 140 x 190 x 6 cm © collection francès

Terence Koh, Untitled (white head), 2006, © Collection Francès

Une boîte en verre renfermant un crâne blanc, la bouche grande ouverte. Que symbolise-t-il ? Une personne ? Une société ? Une revendication ? Il n’y a aucun indice, aucun détail qui ne réponde à la question. Pourtant, l’artiste a fait le choix de représenter ce crâne la bouche grande ouverte, percé, laissant entrevoir la lumière à travers le verre. Un cri puissant, mais étouffé dans sa cage de verre, ainsi inaudible pour le spectateur.

Tout ici est fragile. De la boîte en verre, à ce crâne blanc. Théâtralisé, tout peut basculer au moindre mouvement, se briser. Une tension qui se répète dans cette fragilité. On peut sentir que les vibrations d’un trop grand cri pourraient casser cette boîte et ce crâne. Ainsi, sommes-nous capables de nous séparer de notre environnement, constitué par notre quotidien, par nos habitudes ? Sommes-nous prêts à briser ce verre ?

Réalisée en 2006, cette œuvre de Terence Koh fait écho aux sujets d’actualité que nous traversons. Nous retrouvons le sujet de l’enfermement. Libre et à la fois confiné dans cet écrin de verre. Ce memento mori moderne nous invite à nous interroger sur notre relation avec notre environnement. Cette phrase latine traduite par « Souviens-toi que tu es mortel », illustrée par les artistes dès le XVIIème siècle, nous plonge dans une réflexion sur notre propre existence. L’individu se transforme continuellement. Or cette conscience individuelle n’est pas toujours en accord avec l’environnement qui nous entoure.

Cette boîte est close, mais transparente, se fondant dans l’espace où elle se trouve. Nous sommes liés à tout ce qui se passe dans notre quotidien et dans notre environnement : il fait partie de nous. Sa préservation est vitale ainsi un équilibre doit être trouvé. L’impact d’un mouvement sur le verre influe sur le crâne, à l’instar de notre relation avec l’environnement. Pour notre survie, il faut préserver notre entourage et cela ne peut se faire qu’à travers l’attention portée aux autres, une douceur et une sensibilité quotidienne.

Ainsi, je trouve ici que Terence Koh, nous met face à une tête construite de peu et pourtant avec une forte portée symbolique. Ce choix de la simplicité, nous permet en tant que regardeur, de nous interroger plus librement sur l’œuvre, il simplifie son appropriation, et interpelle métaphoriquement sur notre environnement et sa préservation. Cette œuvre permet de nous arrêter et de prendre du recul. De nous questionner sur la fragilité de l’être. Nous sommes face à une métaphore de nous–même en somme. Une réflexion particulièrement intéressante qui peut faire écho à l’œuvre de Benoît Maire, Socrate 2, placée à proximité.

Retrouvez l’article dédié à l’artiste sur le site de la Fondation Francès 

Laure Adler & Camille Viéville, Les femmes artistes sont dangereuses, Flammarion, 2018

« Elles sont artistes et elles le revendiquent. Histoire d’un combat qui est loin d’être terminé « 

Cette semaine, nous vous proposons de découvrir un ouvrage choisi dans le centre de documentation de l’association. Ce livre est écrit par deux femmes. Elles ont comme volonté commune de rendre hommage au courage de ces femmes artistes pour avoir osé défier les règles sociales afin de proposer une vision du monde propre à chacune de leur sensibilité. Avec ce titre, les auteures interpellent le lecteur en positionnant les femmes artistes comme « dangereuses ». Cela nous questionne sur la place que nous accordons aux femmes dans notre connaissance de l’art.

Longtemps l’histoire de l’art a été pensée et écrite par des hommes. Elle portait sur des œuvres créées par des hommes, ainsi l’image et la représentation de la beauté étaient conçues par les hommes. Aujourd’hui, ce regard sur la femme semble évoluer et permet de redonner une place légitime à la femme artiste. En effet, de plus en plus d’exposition peuvent être consacrées aux femmes et les musées ont cette volonté, plus forte, de faire découvrir des artistes trop longtemps oubliées. Mais cette évolution n’est pas ancrée dans les mentalités ainsi que dans l’histoire de l’art où il subsiste toujours un certain paradoxe dans la transmission et la compréhension des œuvres réalisées par un homme ou une femme.

L’ouvrage dresse le portrait d’une cinquantaine de femmes, toutes artistes, mais à des périodes différentes. De la Renaissance à nos jours, on y retrouve des femmes qui change notre regard, celui du regardeur, mais surtout, celui des artistes masculins ayant pour habitude de représenter la femme. Nous retrouvons des artistes connus du grand public comme Sonia Delaunay ou Niki de Saint Phalle mais d’autres, pourtant importantes pour leurs époques, mais oubliées au fur et à mesure que le temps passe comme par exemple Mary Beal, première et grande portraitiste d’Angleterre. Dans cette chronologie des portraits, nous comprenons que l’art ne se décrète pas mais qu’au contraire il s’invente et peut transcender les catégories.

Notes sur les auteures :

De livre en livre, Laure Adler met en avant la femme dans l’histoire de la culture. Ainsi on retrouve dans la même collection, différents ouvrages qui illustrent l’importance de la femme et sa place à travers différentes problématique notamment avec Les femmes qui écrivent vivent dangereusement (2007) ou Les femmes qui lisent sont de plus en plus dangereuses (2011). Pour cet ouvrage, Laure Adler a co-écrit avec Camille Viéville, doctorante en histoire de l’art, spécialisé en art moderne et contemporain.

Par Ynes, en service civique Recherche et documentation.