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Il se retourne et me regarde. J’aimerais lui parler, lui demander de rentrer, de me ramener chez moi mais rien n’y fait, je reste pétrifiée face à cette tête blonde d’une beauté pure et sans artifice.
Le fin trait rouge qui parcourt son bras frêle confirme ma pensée, l’enfant n’est pas seul.
Les autres sont cachés, sans doute dans les arbres, ils préparent leur prochain mauvais coups. On ne peut pas leur en vouloir, vous auriez fait la même chose à leur place: une bande de morveux dans un monde où l’on ne grandit pas, où l’on reste enfant.
J’aperçois au loin l’arbre du pendu et cette cabane perchée, peut être dorment-ils.
Les enfants perdus dorment ou se bagarrent, en même temps il faut bien avouer que ces indiens sont coriaces et que bien souvent ils le méritent.

Il continue de me regarder mais ne reconnait pas les traits de l’enfance effacés par le temps. Je m’approche, je voudrais lui expliquer mais je me demande si il comprendrait, peut être qu’après tout ce temps nous ne parlons simplement plus la même langue.
Je lui souris il penche la tête et je comprends : j’attrape mes deux oreilles du bout des doigts, je tire la langue et tente d’apercevoir le bout de mon nez.
Ses yeux s’écarquillent, il reste transis quelques instants entre stupéfaction et émerveillement.
je le laisse partir, courir à toute jambe. Bientôt ils seront tous là.

L’attente est interminable. Cela fait des années que j’attends ce moment : de revenir ici, de tout leur raconter.
J’entends des cris, des bruits de pas puis je les aperçois, tout les six. Ils n’ont pas grandis, ils n’ont pas changé.
Ils arrivent à ma hauteur.
« Peter Pan c’est bien toi? » .

Les mains tendus, ils essayent désespérément, semble-t-il, de saisir quelque chose d’invisible, le néant.

Ces hommes arrachés à leur décor, étalés sur fond noir, deviennent une fin en soit. Une partie devient alors un tout, une œuvre synecdoque où les personnages paraissent sortis de nul part, où chaque bras semble appartenir au même homme, une réincarnation de Kali, déesse excessivement membrée.

Ce lugubre engouement laisse à son spectateur le soin d’en spéculer lui même la cause. Un match de foot? Un concert? Mais pourquoi une telle tristesse?
Comme un adieu symbolique, une main tend un mouchoir. Image métaphorique.

Cette abandon de soi, une référence à la pyramide sinistre de Géricault qui offre au tableau de Matthieu Boucherit une vision macabre. Ces hommes se raccrochent à la vie, ou à la mort.
Le visage perdu au milieu de cette cohue est alors peint d’une affliction qui laisse sans voix.
On se perd facilement à tenter désespérément de déterminer le sens de cette toile avant de se rendre compte qu’elle n’a de sens qu’elle même, que chacun devient alors libre de choisir. Quand je vois une souffrance, certains voient un visage simplement pantois et des mains animées par l’espoir.

On découvre alors l’intérêt singulier de cette œuvre: l’imagination.
Une photographie dont on a retiré le fond, un acte dont on a retiré l’argument.

Une poêle qui se balade au dessus de nos têtes, accrochée à la cime d’une branche recouverte de coquilles d’œufs cassées dont le jaune encore frais va bientôt faire une petite tâche jaune sur le parquet de la pièce.
On ne voit qu’elle, volets ouverts dans la rue, en rentrant, dominant toutes les œuvres comme une délicieuse illusion printanière.

Cette œuvre est comme figée dans le temps.
La sculpture de Laure Prouvost me transporte dans un monde bucolique, les teintes rappelant étrangement celle d’un cerisier en fleur.
Cette vision me semblerait tout droit sortie de mon imagination, la nature traverse les murs et s’invite dans nos maisons: une idée dans l’air du temps.
Un oiseau est perché, fixant tristement la poêle. Il n’est pas à sa place dans cette salle, il a été amené ici avec cette branche. J’y vois comme une allégorie, celle du mal qui ronge nos forêts et prive la faune de leur habitat. Notre culture au profit de leur disparition, une image très engagée.

« Que cache la poêle? », c’est la question que l’on se pose au premier regard. On contourne l’œuvre, doucement, le long d’une mise à distance faite à l’adhésif blanc.
Sur la pointe des pieds je tente de découvrir son contenu: un œuf.
Tarzan s’est fait cuir des œufs. On voit encore ses traces de doigts le long de la branche qu’il a escaladé.
Il n’est pas facile de cuisiner perché en haut d’un arbre, les coquilles cassées laissent penser que ce sauvage est plus adroit à grimper aux arbres qu’à préparer le petit déjeuner: pas étonnant quand on sait que ce bon vieux Tarzan fait tout avec ses pieds.
Il s’en est allé, son foyer détruit. Une espère rare encore disparue comme pour allonger le tableau de chasse de l’espèce humaine.

Au premier regard, intriguée par tous ces éléments s’entremêlant j’ai cherché à déterminer un sens à cette œuvre avant de me rendre compte qu’ils étaient multiples.

J’ai tout de suite été fascinée par le travail de la matière. Dégoutée par l’aspect terriblement humain de ces charpies, elles ont également pu éveiller une curiosité, celle du toucher.
J’éprouve face à cette œuvre une irrépressible envie de ressentir la matière afin d’élucider le mystère autour de cette carnation provocante.

Berlinde de Bruyckere nous livre une œuvre en relief, une sculpture de cire, de bois et de tissu dans laquelle chaque dimension compte: la faune frôle la flore.
La cire donne l’idée de chair décomposée, putréfiée. La mort côtoie le désir, celui de la chair nue comme un péché.
Cette vision cadavérique me dérange et souffle tel un vent morbide sur la pièce, au milieu de tout ces portraits illustrant la vie, la jeunesse, la vieillesse.
Blessée, la peau est enroulée autour d’un tissu qui lui sert de bandage, je les imagine pansant ces derniers lambeaux de peau. Cette œuvre animale placée sous sa cloche comme pour éviter l’odeur de se répandre est présentée comme un trophée sauvage tel un acte de cannibalisme.

La violence de la sculpture contraste de manière saisissante avec la peinture de Naoto Kawahara.

La nudité rapproche ces deux œuvres qui se distinguent cependant par l’idée qui s’en répand.
Les couleurs rosées de la peinture de l’artiste japonais évoque le teint des chérubins de Raphaël comme symbole de sainteté s’opposant en tout point à l’idée de mort et de péché émanant de la composition de l’artiste gantoise.
Ces deux œuvres, disposées l’une derrière l’autre, forment un duo alors parfait antonyme l’une de l’autre.