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Événement de la Triennale de Stellenbosch , du 11 février au 30 avril 2020

Malebona Maphutse a quitté le sol français pendant quelques semaines pour retourner dans son pays natal, l’Afrique du Sud. La raison pour laquelle elle est partie ? Pour participer à la première triennale d’art contemporain en Afrique. Aujourd’hui de retour à Paris, nous avons eu l’opportunité d’échanger avec elle sur cette expérience nouvelle.

La Stellenbosch Triennale est un événement qui regroupe une multitude d’expositions d’artistes, tous originaires de différents pays du continent africain. Cet événement permet l’élaboration d’une plateforme créative où les artistes s’engagent à établir un dialogue, par le biais de leurs œuvres, autour d’enjeux sociétaux. L’ultime but de cet événement est de dessiner l’avenir du monde d’un point de vue africain.

Malebona constate que la plupart des artistes africains invités à participer à cet événement résident en Europe, elle s’interroge sur les raisons qui les motivent à quitter leur pays natal pour vivre ailleurs.

Cette exposition est pour le moins spectaculaire. Tout d’abord par la ville atypique qui l’accueille, Stellenbosch, située dans le sud-ouest d’Afrique du Sud. Son contexte historique, politique, social et racial reste tout à fait particulier et de fait encore aujourd’hui. Cette ville au lourd passé, retrace au travers de son architecture néerlandaise, le passage ardu de la domination coloniale des Pays-Bas datant du XVIIe siècle. Connue pour ses grandes industries viticoles, elle peint des paysages verts majestueux s’étendant vers l’infini par leur grandeur : « c’est un paradis pour le moins paradoxal », nous confie Malebona. Les habitants, qui sont en grande majorité blancs, restent perplexes à l’idée de voir un groupe de jeunes gens noirs dans cette ville. En général, ce sont des touristes provenant des Pays-Bas ou du Royaume-Uni qui visitent Stellenbosch. Le paradoxe est d’autant plus accentué qu’à seulement quelques kilomètres de la ville, nous trouvons Cape Town, tristement célèbre pour ses nombreux townships où les habitants noirs sont généralement empaquetés dans des environnements restreints.

Ayant conscience du contexte complexe de ce lieu, Malebona a pris la décision de participer à l’exposition ON THE CUSP, un satellite de la triennale qui focalise son concept autour du thème de la guérison. Accompagnée de sept autres artistes, elle y expose peintures, installation, vidéo et suscite un grand intérêt auprès des collectionneurs.

Pour l’artiste, la triennale de Stellenbosch est donc très différente de ce qu’elle peut éprouver en Europe ce qui ne fait qu’augmenter l’intérêt de cette expérience. Malgré des ressources financières très limitées pour participer à cet événement, en devenir, Malebona est consciente que la plus grande richesse du projet se situe dans le partage et les échanges qu’elle a pu générer avec les autres artistes, notamment avec des artistes du collectif Asafo Black originaires du Nigéria et du Ghana avec qui elle souhaiterait collaborer dans un futur proche.

Marine, 19 ans était en service civique avec La Fabrique de l’Esprit®, elle nous offre son dernier regard sur les œuvres de la collection Francès.

◊ Oleg Dou, Albino (série Naked Faces), 2006, © Collection Francès.

Loin sous la surface de la terre, hors de portée des rayons de notre soleil, vit un peuple caché. D’une grande beauté, à l’apparence presque humaine. Ils se déplacent avec grâce, dans un silence surnaturel. Dans une cavité gigantesque ils ont bâti leur cité de pierre, creusée des troglodytes dans les parois en dôme. Leur ciel semble se mouvoir, des centaines de petits être fluorescents volant dans les hauteurs. Parfois une ombre passe, disperse ces étoiles vivantes et disparaît, tout revenant à la normale. Au sol des champs de plantations lumineuses, inconnues de la surface. Des arbres dansants, aux fruits brillants d’éclats colorés, entre lesquels se faufilent bêtes et créatures humanoïdes sans s’éviter. La paix règne en ce lieu, où les espèces cohabitent et s’aiment, où les “hommes” vivent au ralenti.

Né d’un père couturier et d’une mère artiste peintre le 19 août 1983 à Moscou, Oleg Dou a fait son entrée très tôt dans le monde artistique. Il fait la connaissance de Photoshop à 13 ans, et c’est pour lui une révélation. Il commence alors par retoucher ses photographies de classe.

“Son regard est froid, étrange, presque inhumain.”

Au travers de ses clichés l’artiste véhicule des sentiments contraires, associe le beau au laid, la vie à la mort, le sublime au répulsif. Ses personnages semblent muter, des êtres hybrides sans identité qui évoluent dans un univers surréaliste. Le corps devient un objet de subversions et d’investigations, où le regard est le reflet de l’âme humaine : Sensible et fragile.

Auparavant, Dou se voyait dessiner, avant que son amour pour la photographie ne l’emporte. En 2005, alors qu’il sort d’études de design, les professionnels du monde de l’art et les collectionneurs plébiscitent son travail photographique.
Découvert en 2006 par la galeriste Liza Fetissova, à la Russian Tea Room, l’artiste est maintenant présenté par des galeries du monde entier (France, Belgique, Espagne, Pays-Bas, Etats-Unis, Russie…)

Récompenses pour ses photographies 2007-2009 :

• Color Award, 2007
• International Photography Award, 2008
• Arte Laguna Art Prize, 2009

Il est ensuite classé en 2011 dans le top 3 des photographes de moins de 30 ans les plus cotés en vente publique par la société Artprice.

“Je veux créer des images éclectiques, sorte de mélange entre des peintures anciennes et des images très modernes.”

Marine, 19 ans, en service civique avec La Fabrique de l’Esprit® nous offre son regard sur les œuvres de la collection Francès.

◊ David LaChapelle, « Naomi Campbell : Have you seen me? », 1994,  © ADAGP, PARIS, 2019 / © David LaChapelle provenant de la Fondation Estelle et Hervé Francès

Autour d’une table, une famille dîne sans un mot, les yeux rivés sur l’écran fixé au mur devant eux. Les regards ne se croisent pas, ils sont hypnotisés par les images qui défilent, les couleurs vives et les sons enchanteurs. Sans s’en rendre compte, cela fait maintenant dix minutes qu’ils regardent des publicités, aussi captivés que si ça avait été leur série télévisée. L’écran devient noir. Une porte de frigo s’ouvre devant eux et la caméra en sort, découvrant une femme chocolat étendue sur le sol froid. L’image tourne autour de la femme qui fixe l’objectif, les lèvres entrouvertes. Elle vide une brique de lait sur sa poitrine, provocante, sensuelle. L’image redevient noire, et la marque du lait s’affiche à la place, avec son petit jingle reconnaissables entre tous.

Le lendemain, la femme va faire les courses. Elle a besoin de lait, prend la brique qui lui paraît la plus attirante. Sans le savoir, elle s’est laissée influencer.

Choquante, provocante, Naomie s’étend face à nous et dans une mise en scène calculée dresse un tableau peu avantageux de notre société de consommation. Bien plus significative d’une scène sensuelle quelconque, avec ses couleurs vives et ses briques de lait décorées du visage de la femme, cette photographie nous dévoile le vrai visage des publicités de notre quotidien. Jusque dans notre frigo, des stars s’invitent et nous poussent à acheter, encore et toujours, sans la moindre modération. Des éclaboussures, les vagues d’émotions provoquées par les images peintes sur le mur bleu. Nos sens sont assaillis, nos avis manipulés pour devenir consommateurs d’effigies et non de produits.

Le tableau a choqué son public, il fait réfléchir et réaliser le fonctionnement pervers de la société de consommation, auquel on s’est un peu trop habitué pour y prêter attention.

Je trouve l’œuvre ensorcelante, fascinante mais un peu effrayante. Le mannequin représente une minorité de personnes placées au-dessus de nous, que notre société essaie de transformer en généralité. La femme objet, parfaite. Le rapport avec les produits que l’on achète est présent, on veut faire comme ces personnalités célèbres, leur ressembler, et parfois inconsciemment on change notre façon de vivre pour adopter la leur.

Retrouvez l’article dédié à cette œuvre sur le site de la Fondation Francès